Redaktion

Der Aufstand der Zeichen rückt Arbeiten auf Papier des Malers und Grafikers Gil Schlesinger in den Mittelpunkt. Nach seiner Rückkehr aus Israel im Jahr 1955 lässt sich Schlesinger zunächst in Eisleben, später in Leipzig nieder und beginnt dort mit der konsequenten Entwicklung seines künstlerischen Werks, das von Anfang an sowohl Malerei als auch Grafik umfasste. Mit seiner „intuitiven Abstraktion“, – wie der Kunsthistoriker Lothar Lang Schlesingers Stil bezeichnete – die vielfach auf organisch wirkenden Formen und Zeichen basiert, ist Gil Schlesingers Œuvre bis heute für die Tradition der ungegenständlichen Malerei in Ostdeutschland und darüber hinaus eine wichtige Referenz. Seit seiner Ausreise aus der DDR im Jahr 1980 lebt und arbeitet Schlesinger in Oberpfaffenhofen bei München. Seine Bilder sind durchzogen von Symbolen, Themen und kunsthistorischen wie literarischen Zitaten. Sie sind voller Geschichte und persönlichen Geschichten, die dem Sicht- und Spürbaren näherstehen als Theorie und Systematik abstrakter Kompositionen. Farbe und Formen dienen Schlesinger dazu das Reale mit markantem Duktus und schnellen Zeichnungen erst entstehen zu lassen und gleichermaßen zu kommentieren. Die somit entstehenden, poetischen Bildwelten verweisen auf ein Realismus-Verständnis, das gesellschaftliche und politische Wirklichkeiten in die Sphäre des Persönlichen einbezieht und als Subtext individueller Existenz positioniert.

„Je länger ich hier bin, desto weniger verstehe ich. Ich will mich an alles erinnern, aber vielleicht reicht es, durch ein kleines Loch zu gucken, auf einen Tag.“ In Briefform adressiert sie das „grafische Gedicht“ an einen Freund und nimmt dabei den Leser mit auf einen Spaziergang durch die algerische Hauptstadt. „Das Thema des Buches ist für mich Freundschaft. Der intensive Zustand, einen Ort durch die Augen von Freunden zu erfahren, im Wissen, dass es sich um einen Moment handelt, der vorbei gehen wird“, so Nino Paula Bulling. – Das Licht in der Stadt wird zum Akteur der Bilderzählung: Es verleiht Dingen, Architekturen und Menschen Kontur, lenkt die Wahrnehmung, definiert Atmosphären und ein Gefühl für die Zeit. Lücken im Bild der Stadt zeigen sich, die Erinnerung ist ebenso löchrig und zuweilen verstummt, pausiert die Sprache zugunsten der konsequent in Blau, Gelb, Orange und Rottönen gehaltenen Bildfolgen.

Die Kunstwerke reflektieren das Verhältnis von menschlichem Körper und Objekt sowie deren Repräsentation. Zudem sind ihnen Bildräume eigen, die bühnen- und modellhaft die Idee von Bewegung erzeugen. Die Avantgarde-Künstler*innen des frühen 20. Jahrhunderts stellten den vorherrschenden koloristischen Realismus in Frage, indem sie die traditionellen figürlichen Darstellungsweisen durch formale Mischformen ersetzten. Ohne Figuren und Gegenstände vollständig aufzulösen, legten sie vielfach über die Betonung des Eigenwerts von Farbe und Form als bildstrukturierende Komponenten Schematisierungen und Abstraktionen an, die dennoch nicht in Ungegenständlichkeit mündeten. Vielmehr verschob sich ihr Bildinteresse von der Figuren- bzw. Objektdarstellung auf die Darstellung des Verhältnisses von Körper und Raum. Ein weiteres verbindendes Element der beiden Ausstellungen ist der Versuch der Bildenden Kunst diese Neubewertungen der Relation von Körper und Raum und deren symbolische Bedeutungen in die anderen Künste Musik, Literatur und Theater auszuweiten und dadurch die Grenzüberschreitung und das Zusammenspiel unterschiedlicher Ausdrucksformen auszuloten.

Alexandra Exter, Pawel Filonow, Albert Gleizes, Alexej Jawlensky, Kasimir Malewitsch, Ljubow Popowa, Nadeshda Udalzowa u. a.

„Bekleidung der Mauern war also das Ursprüngliche, seiner räumlichen, architektonischen Bedeutung nach das Wesentliche; die Mauer selbst das Sekundäre.“ – Mit diesen Worten beschreibt der Architekt und Architektur-theoretiker Gottfried Semper im Jahr 1849 das Verhältnis von Körper, Kleidung und Architektur als eine Konstruktion von Hüllen, die vom Kern ausgehend, dem Körper also, in unterschiedlichen Schichten eine räumliche Form bilden. Der Nukleus Körper bestimmt zwar die Form, jedoch ist für die Erkennbarkeit jenes Ausgangspunktes die Hülle entscheidend. Daher sei es Semper zufolge „…gewiss, dass die Anfänge des Bauens mit den Anfängen des Textrin zusammenfallen.“ Textrin war hierbei der Sempersche Begriff für die textile Kunst und deren unterschiedliche Formen. Jene Kunst konnte ihren Ausdruck sowohl in Kleidung – also der Erweiterung des menschlichen Körpers – als auch in textilen Wandbehängen – verstanden als Mauerwerks-bekleidung – finden. In der bildenden Kunst hat das textile Wandbild eine lange Geschichte. Dem gemalten Bild war es lange Zeit ebenbürtig oder übertraf dieses sogar noch in seiner Bedeutung. Erinnert sei an die großformatigen Gobelins in den adligen Residenzen Europas, die oft von Künstlern entworfen wurden. Im Laufe der Zeit nahm der Stellenwert textiler Kunst im architektonischen Kontext jedoch ab. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts kam es zu einer Wiederbelebung dieser traditionsreichen Gattung. Einen wesentlichen Beitrag dazu leistete das Bauhaus in Weimar und Dessau, in dessen Textilwerkstatt ästhetische Prinzipien der Moderne in abstrakt-konstruktiven Textilarbeiten umgesetzt wurden. Die zweite Inspirationsquelle für deutsche Künstler*innen stellte die französische Textilkunst der Nachkriegszeit dar, die wesentlich durch Jean Lurçat geprägt wurde. Von ihm stammt der Ausspruch, dass textile Bilder „das wärmende Kleid der Wand“ seien. In den 1950er- und 1960er- Jahren entstanden sowohl in Ost- als auch in Westdeutschland anspruchsvolle und aufwändig gestaltete Tapisserien, die als architekturbezogene Arbeiten öffentliche (Innen)Räume prägten. Im Dialog mit zeitgenössischen, textilen Positionen wird das raumbildende und raumverändernde Potenzial dieser speziellen Kunstform in der Ausstellung thematisiert. Die ältesten dieser gestickten bzw. gewobenen Wandbilder der Ausstellung sind im Kontext des Bauhauses in den 1920er-Jahren entstanden. Weitere Bildteppiche stammen aus den 1950er-/1960er-Jahren. Die portablen Textil-/Kleidungsobjekte, die geradezu wie Prothesen eine körpererweiternde oder körpertransformierende Funktion haben und als Installationen gezeigt werden, wurden zwischen den späten 1970er-Jahren und heute entwickelt.

Annemarie Balden-Wolff, Peggy Buth, Christa Jeitner, Elisabeth Kadow, Ellen Lehmann, Elrid Metzkes, Regina Maria Möller, Gabriele Stötzer, Sylvie Ungauer, Kata Unger

Das Quasimono bietet in den nächsten Wochen immer Sonntags ein Mittag to Go für unsere Studierenden. Finanziert werden die Sonntags-Speisen durch die Geldspenden, die wir während des Weihnachtskochens erhalten haben.

Morgen gehts nach Indien, es gibt Pav Bhaji, einen beliebten Indischen Snack.
Sonntag, 17.1.2021, 14 Uhr. QUASIMONO. Bringt bitte Behältnisse mit. Herzlichen Dank!

Das Essen wird von unseren Studierenden zubereitet. Vielen Dank für Eure großartige Unterstützung.

»Tausch oder Täuschung – Welchen Wert haben Dinge wirklich?« – Das und mehr erfahren Mädchen und Jungen am Donnerstag und Sonnabend, 21. und 23. Januar 2021, in der aktuellen Online-Vorlesung der Kinderuni der BTU Cottbus–Senftenberg

Schülerinnen und Schüler der dritten bis sechsten Klassen sind herzlich eingeladen, diese  Kinderuni-Vorlesung unter den Bedingungen der gegenwärtigen Pandemie bequem vom heimischen Sofa zu verfolgen. Nach der erforderlichen Anmeldung unter der E-Mail-Adresse kinderuni(at)b-tu.de wird ihnen der Link für den Zugang zur Vorlesung übersandt.

Diese Vorlesung der Kinderuni für die Teilnehmenden am Zentralcampus Cottbus halten Diana Häusler, akademische Mitarbeiterin, und Stefan A. Uhlich, Fakultätsreferent der Fakultät Wirtschaft, Recht und Gesellschaft an der BTU am Donnerstag, 21. Januar, um 15 und 17:15 Uhr.

Am Sonnabend, 23. Januar, um 11 Uhr beginnt diese Vorlesung für die Teilnehmenden der Kinderuni am Campus Senftenberg.

Für den kindgerechten Einstieg in die Problematik wird mit einem bekannten Märchen der Gebrüder Grimm gesorgt: Hans hatte sieben Jahre bei seinem Meister gedient. Dieser gab ihm zum Dank für seine treuen und ehrlichen Dienste einen Klumpen Gold. Mit diesem Klumpen brach Hans auf, um zu seiner Mutter zurückzukehren. Aber der Weg war beschwerlich und der Klumpen schwer. Und so tauschte Hans den Klumpen Gold gegen ein Pferd. Das Pferd jedoch war störrisch, so tauschte er es gegen eine Kuh, diese dann gegen ein Schwein, das Schwein gegen eine Gans, die Gans gegen Steine …

Der Tauschhandel ermöglichte Hans immer, das zu bekommen, was er wollte, und loszuwerden, was er nicht wollte. Allerdings scheinen dies alles keine guten Geschäfte für Hans gewesen zu sein, da der Wert des neuen Gutes geringer war, als der des alten. Wurde er über den wahren Wert getäuscht? Diana Häusler und Stefan A. Uhlich gehen in der Kinderuni-Vorlesung dieser und weiteren spannenden Fragen nach, die Einblicke in das wirtschaftliche Handeln von Menschen geben.

»Tausch oder Täuschung – Welchen Wert haben Dinge wirklich?« – Das und mehr erfahren Mädchen und Jungen am Donnerstag und Sonnabend, 21. und 23. Januar 2021, in der aktuellen Online-Vorlesung der Kinderuni der BTU Cottbus–Senftenberg

Schülerinnen und Schüler der dritten bis sechsten Klassen sind herzlich eingeladen, diese  Kinderuni-Vorlesung unter den Bedingungen der gegenwärtigen Pandemie bequem vom heimischen Sofa zu verfolgen. Nach der erforderlichen Anmeldung unter der E-Mail-Adresse kinderuni(at)b-tu.de wird ihnen der Link für den Zugang zur Vorlesung übersandt.

Diese Vorlesung der Kinderuni für die Teilnehmenden am Zentralcampus Cottbus halten Diana Häusler, akademische Mitarbeiterin, und Stefan A. Uhlich, Fakultätsreferent der Fakultät Wirtschaft, Recht und Gesellschaft an der BTU am Donnerstag, 21. Januar, um 15 und 17:15 Uhr.

Am Sonnabend, 23. Januar, um 11 Uhr beginnt diese Vorlesung für die Teilnehmenden der Kinderuni am Campus Senftenberg.

Für den kindgerechten Einstieg in die Problematik wird mit einem bekannten Märchen der Gebrüder Grimm gesorgt: Hans hatte sieben Jahre bei seinem Meister gedient. Dieser gab ihm zum Dank für seine treuen und ehrlichen Dienste einen Klumpen Gold. Mit diesem Klumpen brach Hans auf, um zu seiner Mutter zurückzukehren. Aber der Weg war beschwerlich und der Klumpen schwer. Und so tauschte Hans den Klumpen Gold gegen ein Pferd. Das Pferd jedoch war störrisch, so tauschte er es gegen eine Kuh, diese dann gegen ein Schwein, das Schwein gegen eine Gans, die Gans gegen Steine …

Der Tauschhandel ermöglichte Hans immer, das zu bekommen, was er wollte, und loszuwerden, was er nicht wollte. Allerdings scheinen dies alles keine guten Geschäfte für Hans gewesen zu sein, da der Wert des neuen Gutes geringer war, als der des alten. Wurde er über den wahren Wert getäuscht? Diana Häusler und Stefan A. Uhlich gehen in der Kinderuni-Vorlesung dieser und weiteren spannenden Fragen nach, die Einblicke in das wirtschaftliche Handeln von Menschen geben.

»Tausch oder Täuschung – Welchen Wert haben Dinge wirklich?« – Das und mehr erfahren Mädchen und Jungen am Donnerstag und Sonnabend, 21. und 23. Januar 2021, in der aktuellen Online-Vorlesung der Kinderuni der BTU Cottbus–Senftenberg

Schülerinnen und Schüler der dritten bis sechsten Klassen sind herzlich eingeladen, diese  Kinderuni-Vorlesung unter den Bedingungen der gegenwärtigen Pandemie bequem vom heimischen Sofa zu verfolgen. Nach der erforderlichen Anmeldung unter der E-Mail-Adresse kinderuni(at)b-tu.de wird ihnen der Link für den Zugang zur Vorlesung übersandt.

Diese Vorlesung der Kinderuni für die Teilnehmenden am Zentralcampus Cottbus halten Diana Häusler, akademische Mitarbeiterin, und Stefan A. Uhlich, Fakultätsreferent der Fakultät Wirtschaft, Recht und Gesellschaft an der BTU am Donnerstag, 21. Januar, um 15 und 17:15 Uhr.

Am Sonnabend, 23. Januar, um 11 Uhr beginnt diese Vorlesung für die Teilnehmenden der Kinderuni am Campus Senftenberg.

Für den kindgerechten Einstieg in die Problematik wird mit einem bekannten Märchen der Gebrüder Grimm gesorgt: Hans hatte sieben Jahre bei seinem Meister gedient. Dieser gab ihm zum Dank für seine treuen und ehrlichen Dienste einen Klumpen Gold. Mit diesem Klumpen brach Hans auf, um zu seiner Mutter zurückzukehren. Aber der Weg war beschwerlich und der Klumpen schwer. Und so tauschte Hans den Klumpen Gold gegen ein Pferd. Das Pferd jedoch war störrisch, so tauschte er es gegen eine Kuh, diese dann gegen ein Schwein, das Schwein gegen eine Gans, die Gans gegen Steine …

Der Tauschhandel ermöglichte Hans immer, das zu bekommen, was er wollte, und loszuwerden, was er nicht wollte. Allerdings scheinen dies alles keine guten Geschäfte für Hans gewesen zu sein, da der Wert des neuen Gutes geringer war, als der des alten. Wurde er über den wahren Wert getäuscht? Diana Häusler und Stefan A. Uhlich gehen in der Kinderuni-Vorlesung dieser und weiteren spannenden Fragen nach, die Einblicke in das wirtschaftliche Handeln von Menschen geben.

In Brandenburg leben etwa 2000 Menschen jüdischen Glaubens, meist aus Ländern der ehemaligen Sowjetunion. Von dort kennen sie offenen Antisemitismus. In Brandenburg fühlen sie sich laut einer Studie des Bundesverband der Recherche- und Informationsstellen Antisemitismus (Bundesverband RIAS) e.V. von 2019 zumindest körperlich sicher. Doch im deutschen Alltag ist Judenhass ein „alltagsprägendes Phänomen“ geworden. Von 2014 bis 2018 zählte die Polizei insgesamt 433 judenfeindliche Delikte. Bei mehr als der Hälfte ging es um Volksverhetzung. An der Spitze der Kriminalitätsbilanz steht der Landkreis Oberhavel mit 46 Straftaten. Es folgen Cottbus (38 Delikte), Potsdam (33) und der Landkreis Uckermark (32).

Seit der Corona-Pandemie haben sich noch weitere Phänomene, wie u.a. die Querdenken-Bewegung hinzugesellt. Die Verleugnung von Tatsachen, das Bedienen alter Narrative und Schuldzuweisungen, Missbrauch von Symbolen und die Gleichstellung mit Opfern des Nationalsozialismus sind nur unvollständig genannte Handlungen. Mit der Mitautorin der o.g. Studie Dorina Feldmann wollen wir über das Thema „Antisemitismus in Brandenburg“, dessen Entwicklung, Erscheinungsformen und Entwicklungen reden. Ihr könnt gern im Vorfeld Fragen einschicken: meissner@dielinke-lausitz.de oder während des Livestreams in den Kommentarspalten von Youtube oder facebook stellen.

Der Aufstand der Zeichen rückt Arbeiten auf Papier des Malers und Grafikers Gil Schlesinger in den Mittelpunkt. Nach seiner Rückkehr aus Israel im Jahr 1955 lässt sich Schlesinger zunächst in Eisleben, später in Leipzig nieder und beginnt dort mit der konsequenten Entwicklung seines künstlerischen Werks, das von Anfang an sowohl Malerei als auch Grafik umfasste. Mit seiner „intuitiven Abstraktion“, – wie der Kunsthistoriker Lothar Lang Schlesingers Stil bezeichnete – die vielfach auf organisch wirkenden Formen und Zeichen basiert, ist Gil Schlesingers Œuvre bis heute für die Tradition der ungegenständlichen Malerei in Ostdeutschland und darüber hinaus eine wichtige Referenz. Seit seiner Ausreise aus der DDR im Jahr 1980 lebt und arbeitet Schlesinger in Oberpfaffenhofen bei München. Seine Bilder sind durchzogen von Symbolen, Themen und kunsthistorischen wie literarischen Zitaten. Sie sind voller Geschichte und persönlichen Geschichten, die dem Sicht- und Spürbaren näherstehen als Theorie und Systematik abstrakter Kompositionen. Farbe und Formen dienen Schlesinger dazu das Reale mit markantem Duktus und schnellen Zeichnungen erst entstehen zu lassen und gleichermaßen zu kommentieren. Die somit entstehenden, poetischen Bildwelten verweisen auf ein Realismus-Verständnis, das gesellschaftliche und politische Wirklichkeiten in die Sphäre des Persönlichen einbezieht und als Subtext individueller Existenz positioniert.

„Je länger ich hier bin, desto weniger verstehe ich. Ich will mich an alles erinnern, aber vielleicht reicht es, durch ein kleines Loch zu gucken, auf einen Tag.“ In Briefform adressiert sie das „grafische Gedicht“ an einen Freund und nimmt dabei den Leser mit auf einen Spaziergang durch die algerische Hauptstadt. „Das Thema des Buches ist für mich Freundschaft. Der intensive Zustand, einen Ort durch die Augen von Freunden zu erfahren, im Wissen, dass es sich um einen Moment handelt, der vorbei gehen wird“, so Nino Paula Bulling. – Das Licht in der Stadt wird zum Akteur der Bilderzählung: Es verleiht Dingen, Architekturen und Menschen Kontur, lenkt die Wahrnehmung, definiert Atmosphären und ein Gefühl für die Zeit. Lücken im Bild der Stadt zeigen sich, die Erinnerung ist ebenso löchrig und zuweilen verstummt, pausiert die Sprache zugunsten der konsequent in Blau, Gelb, Orange und Rottönen gehaltenen Bildfolgen.

Die Kunstwerke reflektieren das Verhältnis von menschlichem Körper und Objekt sowie deren Repräsentation. Zudem sind ihnen Bildräume eigen, die bühnen- und modellhaft die Idee von Bewegung erzeugen. Die Avantgarde-Künstler*innen des frühen 20. Jahrhunderts stellten den vorherrschenden koloristischen Realismus in Frage, indem sie die traditionellen figürlichen Darstellungsweisen durch formale Mischformen ersetzten. Ohne Figuren und Gegenstände vollständig aufzulösen, legten sie vielfach über die Betonung des Eigenwerts von Farbe und Form als bildstrukturierende Komponenten Schematisierungen und Abstraktionen an, die dennoch nicht in Ungegenständlichkeit mündeten. Vielmehr verschob sich ihr Bildinteresse von der Figuren- bzw. Objektdarstellung auf die Darstellung des Verhältnisses von Körper und Raum. Ein weiteres verbindendes Element der beiden Ausstellungen ist der Versuch der Bildenden Kunst diese Neubewertungen der Relation von Körper und Raum und deren symbolische Bedeutungen in die anderen Künste Musik, Literatur und Theater auszuweiten und dadurch die Grenzüberschreitung und das Zusammenspiel unterschiedlicher Ausdrucksformen auszuloten.

Alexandra Exter, Pawel Filonow, Albert Gleizes, Alexej Jawlensky, Kasimir Malewitsch, Ljubow Popowa, Nadeshda Udalzowa u. a.

„Bekleidung der Mauern war also das Ursprüngliche, seiner räumlichen, architektonischen Bedeutung nach das Wesentliche; die Mauer selbst das Sekundäre.“ – Mit diesen Worten beschreibt der Architekt und Architektur-theoretiker Gottfried Semper im Jahr 1849 das Verhältnis von Körper, Kleidung und Architektur als eine Konstruktion von Hüllen, die vom Kern ausgehend, dem Körper also, in unterschiedlichen Schichten eine räumliche Form bilden. Der Nukleus Körper bestimmt zwar die Form, jedoch ist für die Erkennbarkeit jenes Ausgangspunktes die Hülle entscheidend. Daher sei es Semper zufolge „…gewiss, dass die Anfänge des Bauens mit den Anfängen des Textrin zusammenfallen.“ Textrin war hierbei der Sempersche Begriff für die textile Kunst und deren unterschiedliche Formen. Jene Kunst konnte ihren Ausdruck sowohl in Kleidung – also der Erweiterung des menschlichen Körpers – als auch in textilen Wandbehängen – verstanden als Mauerwerks-bekleidung – finden. In der bildenden Kunst hat das textile Wandbild eine lange Geschichte. Dem gemalten Bild war es lange Zeit ebenbürtig oder übertraf dieses sogar noch in seiner Bedeutung. Erinnert sei an die großformatigen Gobelins in den adligen Residenzen Europas, die oft von Künstlern entworfen wurden. Im Laufe der Zeit nahm der Stellenwert textiler Kunst im architektonischen Kontext jedoch ab. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts kam es zu einer Wiederbelebung dieser traditionsreichen Gattung. Einen wesentlichen Beitrag dazu leistete das Bauhaus in Weimar und Dessau, in dessen Textilwerkstatt ästhetische Prinzipien der Moderne in abstrakt-konstruktiven Textilarbeiten umgesetzt wurden. Die zweite Inspirationsquelle für deutsche Künstler*innen stellte die französische Textilkunst der Nachkriegszeit dar, die wesentlich durch Jean Lurçat geprägt wurde. Von ihm stammt der Ausspruch, dass textile Bilder „das wärmende Kleid der Wand“ seien. In den 1950er- und 1960er- Jahren entstanden sowohl in Ost- als auch in Westdeutschland anspruchsvolle und aufwändig gestaltete Tapisserien, die als architekturbezogene Arbeiten öffentliche (Innen)Räume prägten. Im Dialog mit zeitgenössischen, textilen Positionen wird das raumbildende und raumverändernde Potenzial dieser speziellen Kunstform in der Ausstellung thematisiert. Die ältesten dieser gestickten bzw. gewobenen Wandbilder der Ausstellung sind im Kontext des Bauhauses in den 1920er-Jahren entstanden. Weitere Bildteppiche stammen aus den 1950er-/1960er-Jahren. Die portablen Textil-/Kleidungsobjekte, die geradezu wie Prothesen eine körpererweiternde oder körpertransformierende Funktion haben und als Installationen gezeigt werden, wurden zwischen den späten 1970er-Jahren und heute entwickelt.

Annemarie Balden-Wolff, Peggy Buth, Christa Jeitner, Elisabeth Kadow, Ellen Lehmann, Elrid Metzkes, Regina Maria Möller, Gabriele Stötzer, Sylvie Ungauer, Kata Unger

Seine Alben erreichten bereits in den 80ern Kultstatus und bis heute landen sie regelmäßig in den Verkaufscharts. Wolf Maahn gilt als einer der einflussreichsten und beständigsten Musiker des Landes. Über 1200 Live Shows und etliche Festivals unter anderem mit Bob Marley, Fleetwood Mac oder Bob Dylan machten den Linkshänder und gebürtigen Berliner zu “einer der größten deutschen Live-Legenden“ (wdr.de). Dabei kann er sich auf Hits und lyrische Geniestreiche wie „Rosen im Asphalt“, „Ich wart auf Dich“ oder „Gelobtes Land“ verlassen. Und immer wieder ist es schön zu sehen wie ein Publikum, das Zielgruppen weitgehend außer Acht lässt, vereint mitsingt, tanzt und feiert. Ein ganzseitiger Konzert-Review in der Hamburger Morgenpost trug die Überschrift »Wolf Maahn spielte sein Publikum glückstrunken!«. Besser lässt sich die reale Wolf Maahn Live Erfahrung wohl kaum zusammenfassen. Ende des Jahres startet er mit seiner erstklassigen Band wieder durch. Im Gepäck ein brandneues Album und – wie es jüngst das Rolling Stone Magazin nannte – »die »maahnischen magischen Momente.«

Die Größen des Metals aus 4 Ländern haben sich zu einer grandiosen Tour durch Europa und Großbritannien zusammengetan. Die Amerikaner ATHEIST gelten als Begründer des technischen Death Metal. Diesen September kehrt die Band mit ihrem neuen Album zum ersten Mal seit 2011 wieder nach Europa zurück. Die norwegische Band CADAVER von Anders Odden (SATYRICON, ORDER) ist ein Paradebeispiel für eine echte nordische Denkweise, wenn es um Death Metal geht. Eine der ersten norwegischen Extreme Metal-Bands, die zum ersten Mal seit 2004 wieder vereint wurde, wird mit Dirk Verbeuren (MEGADETH, ex-SOILWORK) am Schlagzeug wieder lebendig. Die Band wird ihre neue digitale EP mit dem Titel DGAF präsentieren, die gerade über Nuclear Blast veröffentlicht wurde. Die französisch geschwärzten Death Metal-Monster SVART CROWN werden dieses mächtige Trio mit ihrem brandneuen 5. Studioalbum „Wolves Among the Ashes“ ergänzen, das Anfang diesen Jahres über Century Media veröffentlicht wurde. Fünf Alben und über zehn Jahre intensiver Tourneen machten SVART CROWN zu einer der französischen Bands, die aus der Death Metal Szene nicht mehr wegzudenken ist. Desweiteren dabei sind FROM HELL und TYPHUS. Verpasst auf keinen Fall wenn dieses Line-Up in eure Stadt kommt und mit makellosen Death Metal-Klängen zuschlägt!

Am Freitag, den 26.02.2021 mit den Gästen: ASTMATICA, KALTFRONT & GOYKO SCHMIDT sowie F.B.I.

Am Samstag, den 27.02.2021 mit den Gästen: OIRONIE, SPERRZONE & SEXBOMBA sowie F.B.I.

Special guest an beiden Tagen ist Wolfgang Wendland von den Kassierern.

Es gibt ein begrenztes Kontingent (200 Stück) an Weekendtickets (berechtigt zum Besuch beider Veranstaltungen am 26.02. und 27.02.2021) zum Preis von 23 € (zzgl. Gebühren / Ticket-Link: hier)

Aftershowparty findet jeweils ab 0 Uhr im Seitensprung statt

Am Freitag, den 26.02.2021 mit den Gästen: ASTMATICA, KALTFRONT & GOYKO SCHMIDT sowie F.B.I.

Am Samstag, den 27.02.2021 mit den Gästen: OIRONIE, SPERRZONE & SEXBOMBA sowie F.B.I.

Special guest an beiden Tagen ist Wolfgang Wendland von den Kassierern.

Es gibt ein begrenztes Kontingent (200 Stück) an Weekendtickets (berechtigt zum Besuch beider Veranstaltungen am 26.02. und 27.02.2021) zum Preis von 23 € (zzgl. Gebühren / Ticket-Link: hier)

Aftershowparty findet jeweils ab 0 Uhr im Seitensprung statt

Kleine große Liebe – Die Tournee

Kleine große Liebe – Die Tournee

Annett Louisan ist die Stimme des deutschsprachigen Chansons. Zahlreiche Gold- und Platin-Alben stehen für sich. Bis heute hat sie weit mehr als eine Million Tonträger verkauft. Ebenso viele Menschen haben ihr auf ihren Tourneen zugehört. Am 29.03.2019 veröffentlicht die Künstlerin ihr langerwartetes neues Album „Kleine große Liebe“. Mit der gleichnamigen Tournee wird Annett Louisan im Sommer und Herbst 2019 sowie auch im Frühjahr 2020 endlich wieder unterwegs sein. Insgesamt können sich die Fans auf 46 Konzerthighlights dieses und nächstes Jahr freuen!

Annett Louisan will sich nicht weiterhin in ihrer gelernten Rolle gefallen, und etwas Neues wagen. Weniger mit Charakteren und Figuren kokettieren, weniger die Grauzonen zwischen „ich“ und der jeweiligen „Rolle“ ausleuchten, aber dafür mehr Wahrheit, mehr Wahrhaftigkeit wagen. Es geht um den berühmten nächsten Schritt. Was soll ich tun, mit der Zeit, die vor mir liegt? Will ich Verantwortung übernehmen? Wo soll ich hin mit meiner ganzen Liebe? Mit meiner kleinen und mit meiner großen Liebe. Mit meiner „Kleinen großen Liebe“. Über Kurz oder Lang kommen diese Fragen. Auf Annett zu. Vielleicht auf jeden zu. Und im schönsten Fall lösen sich diese Fragen im Dialog zwischen der Künstlerin und ihrem Publikum auf.

Die Veranstaltung wurde vom 09.04.2020 auf den 03.03.2021 verschoben. Alle Tickets behalten ihre Gültigkeit. Sofern Sie Ansprüche geltend machen wollen, wenden Sie sich bitte an den jeweiligen Veranstalter.

Veranstalter

Semmel Concerts GmbH; Kleitz Wirth media GmbH

Andere Zauberer mögen Christopher Köhler nicht für das was er macht. Vor allem: WIE er es macht! Denn er ist anders. Aber nicht artig. Und das ist auch gut so! Er ist das Maschinengewehr der deutschen Comedy- und Zauberszene und bietet grandiose Situationskomik und rasante Sprachgewalt! Einmal losgelegt labert sich Köhler um den Verstand und das Publikum hängt an seinen Lippen wie andere Magier an ihren schlechten Frisuren. Chaos und Anarchie sind an der Tagesordnung, wenn er die Bühne betritt. Ecken und Kanten inklusive.

Bewaffnet mit simplen Requisiten, Alltagsgegenständen und saloppen Mundwerk weiß dieser Ausnahmekünstler sein Publikum bestens zu unterhalten und beweist mühelos, dass es nicht immer das gigantische Bühnenbild sein muss um einen unvergesslichen Abend zu erleben.

Schnallen Sie sich an für unglaublich lustige Magie, absurde und irrwitzige Improvisationen und gleichzeitig auch ruhige, emotionale Momente. Und das alles an einem Abend! Kündigen Sie sofort Ihre Mitgliedschaft im Fitnessstudio, denn an diesem Abend bekommen Ihre Bauchmuskeln ein kostenloses Workout!

Erleben Sie den wohl lustigsten Magier Deutschlands live und hautnah und seien Sie dabei, wenn Improvisations-Comedy auf Magie trifft!

Christopher Köhler ist der Gründer und Moderator der Erfolgsshow „Die Magier“ und ist regelmäßig im TV zu sehen. Er war u.a. bereits zu sehen bei Nuhr ab 18, TV total, RTL Punkt 12, SAT.1 Frühstücksfernsehen, MDR um Vier, Hallo Hessen, VOX, NDR Comedy Contest und als Moderator des SKL Millionen- Events.

Für Kinder unter 12 Jahren nicht geeignet.

2021 werden BLIND PASSENGER mit ihrer fulminanten 80s EXPRESS-Show im Glad-House die Zeitmaschine anwerfen.In den Neunzigern waren die BLIND PASSENGERS die erfolgreichste Electro-Pop-Band der Neuen Bundesländer und spielten auch im Glad-House mehrfach vor ausverkauftem Hause. Mit 5 verschiedenen Songs schafften es NIK PAGE & Co. beispielsweise bis auf Platz 1 der Hörer-Charts von RADIO FRITZ.

2013 meldete sich Nik Page mit seiner neuen BLIND PASSENGER-Band und der CD „Zeitsprung“ zurück in diversen Radio- und Verkaufscharts und ist seitdem wieder regelmäßig mit seiner energie-geladenen Glam-Pop-Formation „on tour“.

80s EXPRESS heißt das neue Liveprojekt der BLIND PASSENGER-Band bei dem Nik Page & Co. Pop- & Wave-Klassikern der goldenen Achtziger mit dicken Beats und maximalem Entertainment-Faktor auf die Bühne zu bringen. Mit 80s EXPRESS werden Hits von NEW ORDER, DEPECHE MODE, THE SISTERS OF MERCY, CAMOUFLAGE, DIE ÄRZTE, TEARS FOR FEARS, THE CURE, THE HUMAN LEAGUE und vielen anderen Kultbands neu zum klingen gebracht, ebenso wie Klassiker der NEUEN DEUTSCHEN WELLE (GOLDENER REITER, TERRA TITANIC, MAJOR TOM und EISBÄR).
Die Coverversionen der international besetzten Glam-Pop-Band werden nicht im typischen 0815-(Top40)-Rockband-Stil präsentiert, sondern modern produziert, elektronisch und äußerst tanzbar, ohne den besonderen Charme und die markanten Elemente der Originale einzubüßen. Die Liveshows von 80s EXPRESS sind eine Zeitreise in das goldene Jahrzehnt der Pop-Musik, eine verdammt unterhaltsame Tanzparty, aber vor allem ein Garant für ein durchgeschwitztes und heiseres Publikum.

Außerdem können sich die Fans auf ein Konzert von Deutschlands bester NENA-Tribute-Show freuen. Optisch und stimmlich dem Original zum Verwechseln ähnlich, erzeugt NENA LENA Emotionen zwischen knisternder Anziehung und ausgelassener Partystimmung.
NENA LENA, die deutschlandweit mit ihrer einzigartigen Nena-Show on tour ist, präsentiert die größten und bekanntesten Nena-Songs (wie „99 Luftballons“, „Nur geträumt“, „Wunder geschehen“ oder „Leuchtturm“) mit Natürlichkeit und Power gleichermaßen. Bei der TV-Show „My name is“ auf RTL II schaffte es Lena bis ins Finale Deutschlands bester Musik-Doubles.

Auf die Fans wartet ein „High Class-80’s-Tribute“-Abend mit aufwendiger Bühnenshow und 3 Stunden Livemusik aus den großen Zeiten von Wave und NDW.

Der„Gott Of Schlager“ gibt neue Termine für die gleichnamige Tour im kommenden Jahrbekannt. Die Gelegenheit die Legende aus Osnabrück mit seinem dritten Meisterwerk auf der Bühne live zu erleben, sollten Fans sich nicht entgehenlassen–denn wo der Steiffen ist, da ist die Party! Nüchtern und sachlich, wie immer gewohnt reflektiert. „Gott of Schlager“ -so der Titel des dritten Ergusses -ist ein weiterer Höhepunkt im Steiffen-Oeuvre. Schon in der Wahl des Albumtitels greift Christian auf das von ihm perfekt inszenierte und zelebrierte Stilmittel der Untertreibung zurück und fügt hinzu: „Worte können mich und dieses Album nicht beschreiben. Der Begriff „Gott of Schlager“ kann nur ein Versuch sein, wird aber für immer eine Krücke bleiben…“.Und er hat natürlich recht:Schon der erste Titel macht deutlich, dass die Ferien vom Rock ́n Roll vorbei sind: „Hier ist Party“ verbindet Elemente der klassischen Discomusik mit modernem Sprechgesang. Bei „Wie der Wind“geht es um Freiheit, Verdauung und Vergänglichkeit, beleuchtet in einem Country-Song, der sich in psychodelische Sphären steigert. Mit „Schöne Menschen“widmet sich Christian der hässlichen Fratze des Schönheitswahns von den Gebrüdern Grimm bis heute. Das autobiografische Stück „Ich breche in die Nacht“ beschreibt eine Nacht und lotet dabei die Gegensätze von Durst und Heimweh sowie Übelkeit und Gesellschaft aus. „Verliebt Verlobt Verheiratet Vertan“ ist selbsterklärend und gefolgt von fälligen klassischen Themen des deutschsprachigen Chansons wie Schützenfest, Seefahrt, Sylvester, Punkmusik und natürlich dem Karneval.Alles dargebracht im wunderbar weichen Timbre von Christians Stimme, das wie immer perfekt korreliert mit den Harmonien und Arrangements seines Freundes und Mitproduzenten Dr. Martin Haseland (jetzt neu mit Umhänge-Keyboard). Das sind neue große Melodien eines sich stetig selbstübertreffenden Poeten und Entertainers. Die Christianisierung hat wohl noch lange nicht ihren Höhepunkt erreicht, aber dass der Steiffen immer grösser wird, stört den Steiffen nicht: „Ich zwinge ja niemanden, zu meinen Konzerten zu kommen –die kommen alle freiwillig. (…)“.Und so wird er auch mit diesem Album wieder auf große Fahrt gehen.

Joachim Witt ist wieder da. Stärker und konsequenter denn je. Im 71. Lebensjahr und passend zum 40. Jubiläum seines ersten Hitalbums „Silberblick“ mit dem NDW-Hit „Der Goldene Reiter“, steigt er als Rübezahl erneut zu den Sterblichen hinab und verkündet streitbar und entschlossen seine Botschaften mit markant – melodiöser, unverwechselbarer Stimmkraft.

Nach seinem letzten Album „Rübezahl“, das 2018 erschienen ist und als das dunkelste Album seiner bisherigen Diskografie gilt und dem orchestralen Klassik-Meisterwerk „Refugium“ von 2019, präsentiert der Ausnahmekünstler jetzt seinen Nachfolger-Release: „Rübezahls Rückkehr“.

Das Album, von dem Joachim Witt selbst sagt, er sei nun angekommen. Angekommen bei sich und in seiner musikalischen Heimat.

16 Alben veröffentlichte Joachim Witt seit 1980. Beginnend mit „Silberblick“ und dem ewigen Hit „Der Goldene Reiter“, welcher seinerzeit mit Gold ausgezeichnet wurde, über das 1998 erschiene Comeback-Erfolgsalbum „Bayreuth I“, das wiederum Platin-Status erreichte, bis „DOM“ in 2012, mit der Single-Auskopplung „Gloria“ und dem kontrovers diskutierten Video. Ist Joachim Witt bisher ein Garant für Vielseitigkeit, Genre-Wechsel und Stil-Mischungen gewesen, so fühlt er sich nun auf dem Album „Rübezahls Rückkehr“ im orchestralen wild-romantischen Metal-Sound zu Hause. Ob wuchtige Soundwände zu donnernder Atmosphäre oder ruhige demutsvolle Balladen, „Rübezahls Rückkehr“ vermittelt von zerbrechlich-zart bis archaisch-brutal die ganzen Gefühlsextreme auf einer Platte und beschreibt damit auch bis ins Mark hinein die Welten, in denen Joachim Witt von Anbeginn seines Daseins wandelt. Denn wie Rübezahl selbst ist auch Witt ein ambivalenter Widerspruchsgeist, ein vielgestaltiges Wesen. Spirituell und mit sich hadernd, rigoros und trostspendend, Impulsgebend für andere und stets ganz nah bei sich.

Auch „Rübezahls Rückkehr“ entspringt wieder dem gemeinsamen Genius von Joachim Witt und Lord of the Lost-Mastermind Chris Harms. Bereits zum zweiten Mal vertraut Witt auf die Einflüsse des aus Hamburg-St. Pauli stammenden Dark-Rock-Visionärs mit seinem monumentalen Sound. Eine fruchtbare Allianz, die das Kreativ-Team bildet, das eine große emotionale Verbundenheit aufweist, die in den einzelnen Tracks hörbar wird.

Mit Songs wie „Geist an das Licht“ oder „Wo blüht der Mohn“ verdeutlicht Joachim Witt einmal mehr, dass er konsequent nur das tut, was ihm seine innere Stimme sagt und er sich auch vor massiver Politik- oder Gesellschaftskritik nicht scheut. Die Ballade „Die Rückkehr“ bringt die Demut und Zerbrechlichkeit zum Ausdruck, die einer tiefen Liebe innewohnt und verdeutlicht dadurch den Kernpunkt des Albums „Rübezahls Rückkehr“: Große Emotionen.

Joachim Witt, der Gefühlsmensch, ist zurückgekehrt zu sich selbst. Ein Mann, so kompromisslos mit sich und seiner Umwelt, wie eine Naturgewalt. Im Rahmen seiner kommenden Tournee kehrt er in voller Bandbesetzung auf die Bühnen Deutschlands zurück und präsentiert wieder einmal die enorme Bandbreite seines Schaffens.

Wir spielen das Programm zu unserem Album „Das Leben danach“. Kommt alle vorbei, das wird ein Fest.
In großer Besetzungmit: Dennis Depta, Sarah Renner, Tobias Buder, Felix Hunsicker, Benjamin BuderVideos:

Videos:

https://www.youtube.com/watch?v=QNSwHHBu1cM

„Verwandlung ist möglich, sogar nötig, wenn du dem Dasein des Wurms entkommen willst.“

2021 feiert Mutabor sein dreißigstes Jubiläum im Zeichen des Schmetterlings. Das letzte reguläre Album (Das Blaue) liegt nun schon 10 Jahre zurück. Zwischendrin gab es zwei digitale Veröffentlichungen, welche nun endlich wieder in ein komplettes Album münden. Das Album „Rebel“ ist die Antwort auf die kollektive Dummheit in der sich die Menschheit gerade oder immer noch an sich selbst abarbeitet. Politische Themen werden mit Witz und Ironie aufbereitet und mittels Uftarythmen, Grunge-Gitarren und folkigen Arrangements ins Bewusstsein musiziert. So konnte die Band für die neuen Songs auch wieder den österreichischen Produzent David Bronner begeistern, der schon das Debut-Album Mutabor 1997 produzierte und ein gutes Händchen für die vielfältigen Arrangements hat. Dank ihrer treuen Fanbasis konnte die Band die gesamte Produktion via Crowdfunding vorfinanzieren und wird das neue Album erstmals auch als Vinyl veröffentlichen.

„Verwandlung ist möglich, sogar nötig, wenn du dem Dasein des Wurms entkommen willst.“/Die Tour zum neuen Album „Rebel“

Wenn der grüne Daumen nach unten zeigt. Garten ist, wenn du von Selbstversorgung träumst und mit einer halben Tasse schrumpliger Erdbeeren und zwei oberschenkelgroßen Hartschalen-Zucchini nach Hause kommst. Garten ist, wenn auf dem Nachbargrundstück die Kindergeburtstagsfeier beginnt, sobald du in den Liegestuhl sinkst. Garten ist, wenn Unkräuter dir Mathe-Nachhilfestunden in exponentieller Vermehrung geben. Garten ist, wenn du dir irgendwann wünschst, dass Obstbäume wie Männer aus dem Orient einmal und für immer beschnitten bleiben.

Stefan Schwarz, seit zwanzig Jahren einer der erfolglosesten Kleingärtner Leipzigs, erzählt auf umwerfend komische Weise vom Glück des Scheiterns im Grünen und warum alles vergebliche Stutzen, Jäten, Sprengen, Zupfen dennoch glücklich macht.

Sarah Lesch ist eine der großen Songwriterinnen der neuen deutschen Liedermacherszene. Sich berufend auf die Tradition, auf das „Geradeheraussprechen“, aber mit dem Blick und der Haltung im Jetzt, im Morgen. Mit mittlerweile drei Alben und unzähligen Konzerten im Gepäck wirbt Sarah Lesch weiter beständig für „Weniger Ich, mehr Wir“: Ihre Songs stellen die richtigen Fragen, reichen die Hand, bieten Hilfe an, werden zu Begleitern. Mit „Den Einsamen zum Troste“ erscheint nun eine Auswahl an Liedern, die die Künstlerin selbst durchs Leben begleiten.

Die EP mit Interpretationen alter Stücke von Gerhard Schöne, Georg Danzer, Bastian Bandt und Konstantin Wecker und einem nie zuvor veröffentlichten Song von und mit Dota Kehr entstand während der noch anhaltenden Arbeit am vierten Album von Sarah Lesch – “Der Einsamkeit zum Trotze” – das im Frühjahr 2020 erscheinen wird. Die EP verkürzt uns nicht nur die Wartezeit, sondern verbeugt sich damit vor der Tradition und den Kollegen, vor der schlichten Schönheit dieser Lieder. Gleichzeitig ist “Den Einsamen zum Troste” der Anfang einer Erzählung, die sich mit dem kommenden Album in eigenen Liedern fortsetzen wird. Einer wichtigen Erzählung. Sarah selbst sagt:

“Ich bin einsam. Und ich wusste es nicht, bis ich all diese Lieder vor mir hatte, die ich für das Album und die EP geschrieben und ausgewählt habe. Plötzlich lag es da vor mir – wie ein Puzzle, bei dem kein Teil mehr fehlt. Jedes dieser Lieder hat mich in irgendeiner Form an meine Einsamkeit erinnert, sie berührt, getröstet, verstanden und erzählt. Ich bin einsam, so wie Millionen andere um mich. Viele von uns sind einsam in einer Zeit, in der ständig alles mitgeteilt und doch nichts wirklich geteilt wird. In der wir Gefühle zur Schau tragen wie Schauspieler. Alles muss immer toll sein in diesen Zeiten.

Ich möchte einfach nur dazugehören. Ich denke, so geht es vielen von uns, aus den unterschiedlichsten Gründen. Und doch wollen wir uns nicht dauernd verbiegen und anpassen, wollen nicht verkannt und idealisiert werden. Nein, unsere Schatten geben wir nicht her. Und all die Monster im Schrank. Und die schlechten Tage. Wo wären wir ohne sie? Und gäbe es all diese Lieder dann? Ich denke nicht. Armut, Trauer, Krankheit, Alter, Flucht, Heimweh, Trennung, Ausgrenzung, Tabus, Diskriminierung, Soziale Medien, Macht, Angst und Perfektionismus. All das macht uns einsam.

Ich bin einsam, darum gibt es diese Lieder. Ich bin einsam, wie so viele. Der Einsamkeit zum Trotze, singe und schreibe ich weiter. Den Einsamen zum Troste, singe und schreibe ich weiter.

Ersatztermin für die ursprünglich am 26. November 2020 geplante Show. Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit oder können an der Vorverkaufsstelle zurückgegeben werden an der sie erworben wurden.

SANDOW ist die bekannteste und innovativste Underground / Avandgarde – Band auf dem Gebiet der ehemaligen Ostzone. Ihre Hits „Schweigen und Parolen“ und „Born in the GDR“ machten sie ebenso berühmt, wie ihr Erscheinen in dem Kinofilm „flüstern und Schreien“, ihre legendären, wie exzessiven Liveshows und ihre Massenperformances „Ngoma“ mit mehreren hundert Trommlern. Sie blieben auch in den Neunzigern beharrlich Underground, warfen die BRAVO aus der Backstage, zelebrierten eine Monumentalverweigerung beim Bizzarefestival, gaben TV-Konzerte auf Bunkern in der Normandie und bei der Mafia in Moskau. Sie inszenierten Theater und Hörspiele und veröffentlichten acht Studioalben, die europaweit als selbstständiges Werk Beachtung finden.

SANDOW entwickeln seit den achtziger Jahren eine eigene Klangsprache mit einem ihrem Kulturraum adäquaten und subversiven Gesamtausdruck. Zwei wesentliche Begriffe sind für diese Arbeit grundlegend und maßstäblich. Transformation und Entfesselung. Eine Vielzahl von künstlerischen Einflüssen, die gefiltert, gespiegelt und

verformt werden, finden über viele Jahre hinweg Einzug in den Schmelztiegel der Bandarbeit SANDOWs. Die musikalischen Inspirationen sind so vielseitig wie konträr. Das begann mit Punkrock, Pink Floyd und Kurt Weil, absorbierte Werke der Sinfonik von Terterjan bis Orff, operierte mit Industrialsoundkonzepten von Throbbing Gristle bis Test Department und erschuf über die Jahre einen selbstständigen Bandsound.

SANDOW ist die bekannteste und innovativste Underground / Avandgarde – Band auf dem Gebiet der ehemaligen Ostzone. Ihre Hits „Schweigen und Parolen“ und „Born in the GDR“ machten sie ebenso berühmt, wie ihr Erscheinen in dem Kinofilm „flüstern und Schreien“, ihre legendären, wie exzessiven Liveshows und ihre Massenperformances „Ngoma“ mit mehreren hundert Trommlern. Sie blieben auch in den Neunzigern beharrlich Underground, warfen die BRAVO aus der Backstage, zelebrierten eine Monumentalverweigerung beim Bizzarefestival, gaben TV-Konzerte auf Bunkern in der Normandie und bei der Mafia in Moskau. Sie inszenierten Theater und Hörspiele und veröffentlichten acht Studioalben, die europaweit als selbstständiges Werk Beachtung finden.

SANDOW entwickeln seit den achtziger Jahren eine eigene Klangsprache mit einem ihrem Kulturraum adäquaten und subversiven Gesamtausdruck. Zwei wesentliche Begriffe sind für diese Arbeit grundlegend und maßstäblich. Transformation und Entfesselung. Eine Vielzahl von künstlerischen Einflüssen, die gefiltert, gespiegelt und

verformt werden, finden über viele Jahre hinweg Einzug in den Schmelztiegel der Bandarbeit SANDOWs. Die musikalischen Inspirationen sind so vielseitig wie konträr. Das begann mit Punkrock, Pink Floyd und Kurt Weil, absorbierte Werke der Sinfonik von Terterjan bis Orff, operierte mit Industrialsoundkonzepten von Throbbing Gristle bis Test Department und erschuf über die Jahre einen selbstständigen Bandsound.

Basler ballert 2:0 / mit Mario Basler und Alex Raack

Mario Basler ist und bleibt der Kultkicker und Querdenker des deutschen Fußballs. So spektakulär und stürmisch er früher durch die Stadien Europas flog, so treffsicher zeigt er sich inzwischen auf der Bühne. In zahlreichen ausverkauften Auftritten hat Super-Mario 2019 mit seiner 90-minütigen Powershow Basler ballert die Zuschauer begeistert, und jetzt geht der einzige Münchener Champions-League-Sieger von 1999 schon wieder auf große Deutschland-Tour. Bei Basler ballert 2:0 wird der frühere Torschützenkönig und Publikumsliebling erneut die Bühnen rocken, von seinen legendären Auftritten im Trikot von Werder Bremen, Bayern München und dem 1. FC Kaiserslautern erzählen und dabei Anekdoten und Geschichten aus einer Zeit erzählen, als Fußballer noch Menschen sein durften und ganz Fußball-Deutschland dem genialen Freistoßkünstler zu Füßen lag. Ein kunterbunter Strauß Erinnerungen zwischen Neustadt an der Weinstraße und Barcelona, zwischen König Otto, General Hitzfeld, Weltfußballer Matthäus und möglicherweise dem ein oder anderen Glas Wodka Lemon. Die Zeit zwischen seinen Tourneen hat Super-Mario gewohnt effizient genutzt und gemeinsam mit dem Bestseller-Autor Alex Raack ein Buch geschrieben – mehr Basler und mehr gelebter Wahnsinn gab es noch nie. Seinen Autoren nimmt Basler für die zweite Runde gleich mit auf die Bühne, gemeinsam laden die beiden das Publikum zu einer Reise durch eine der verrücktesten Fußballer-Biografien der vergangenen Jahrzehnte ein, klären endlich auf, was sich Basler und Werner Lorant damals eigentlich zu sagen hatten, schießen noch einmal die Torwand im „Sportstudio“ kaputt und nippen am Siegerbier für die Beinahe-Helden von Barcelona. Natürlich wird es sich der zweifache Deutsche Meister nicht nehmen lassen, wie gewohnt seine Meinung über den Zustand des aktuellen Fußballs kundzutun und auf der Bühne das zu tun, was er schon immer am besten konnte: die Zuschauer begeistern und einen Treffer nach dem anderen zu versenken. Sogar in der Nachspielzeit.

Es gibt wenige Künstler, denen ein vergleichbar guter Ruf vorauseilt, wie dies bei der Simon & Garfunkel Revival Band der Fall ist. Wo Sie auch auftreten, hinterlassen die sympathischen Vollblutmusiker ein begeistertes Publikum und überschwängliche Kritiken. Traumhafte, leidenschaftliche Balladen wie „Scarborough Fair“ oder „Bright Eyes“, Klassiker wie „Mrs. Robinson“, „The Boxer“ oder „The Sound of Silence“ gehören ebenso fest zum umfangreichen Repertoire, wie die mitreißende „Cecilia“. Einfach nur Nachspielen reicht da nicht! Allein die mit den Originalen nahezu perfekt übereinstimmenden Stimmlagen, sind dabei an Authentizität kaum zu überbieten. Die instrumentalen Fertigkeiten der Musiker sind ebenso beeindruckend, wie Ihre Bühnenpräsenz. Sie zeigen eine perfekte Show, ohne dass Sie große Showeffekte nötig haben.

Schenken Sie Vorfreude auf einzigartige Konzerterlebnisse im Sommer 2021. Mit 10% Frühbucher-Rabatt bis 31.1.2021 

Bitte nicht am Lumpi saugen – Die neue Show

EURE MÜTTER – die neue Show ist da! Über 20 Jahre ist es her, dass das Stuttgarter Comedy-Trio erstmals eine Bühne betrat und im Anschluss die Welt der Unterhaltung komplett auf links drehte. In ganz Deutschland und darüber hinaus wurden sie im Nu zu Lieblingen des Comedy-Publikums mit ihrer einzigartigen Mischung aus Wort, Musik und Akrobatik. Okay, vielleicht ist „Akrobatik“ etwas übertrieben. Ihre Mischung aus Wort, Musik und meisterhaftem Tanz… Ja, also gut: Es ist eine Mischung aus Wort, Musik und entspanntem Sitzen auf bequemen Stühlen. In jedem Fall einzigartig. Hunderttausende Live-Zuschauer und 50 Millionen YouTube-Views später präsentieren EURE MÜTTER nun zwei Stunden völlig neues Material, für das ganz klar gilt: All killer, no filler! Im mittlerweile siebten Programm der drei schwarzgewandten Herren Andi Kraus, Don Svezia und Matze Weinmann stecken erneut jede Menge Songs und Sketche, wie sie einfach niemand sonst schreiben kann. Geschweige denn spielen. Immer mitten aus dem Leben, aber stets außerhalb des Gewöhnlichen.
Seid dabei, wenn die Mütter einmal mehr absolut alles geben – komplett zügellos, verdammt lustig und kein bisschen zimperlich.

THE CAVERN BEATLES – die besten Beatles seit den Beatles – kehren endlich wieder nach Deutschland, wo bereits weit über 300.000 Besucher in Genuss ihrer, absolut realistischen Konzerte kamen. Bereits weit über 300.000 Besucher in Deutschland in den vergangenen Jahren. Wie durch eine Zeitmaschine werden die Zuschauer (aller Altersklassen) in die 60er Jahre zurück versetzt. Und es scheint so, als wenn sie nicht so schnell wieder in die Gegenwart zurückkehren möchten. Ein über zweistündiges Power-Konzert mit authentischer Technik, Instrumenten und Kostümen und ohne jeglichem „Schnick-Schnack“ sind die besten Beweise dafür! Erstklassige “Tribute Bands” versuchen nicht nur so wie ihre bekannten Vorbilder auszusehen und zu klingen, sondern schaffen es, das wahre Wesen der Künstler und die Stimmung der Zeit zu erfassen und dem Zuschauer zu vermitteln. In dieser Hinsicht sind die Cavern Beatles führend in ihrer Zunft und schaffen es immer mit ihrer erstaunlichen Bühnenpräsenz die Zuschauer mitzureißen. Sieht man die einzelnen Musiker, ist es offensichtlich wen sie darstellen – sieht man alle zusammen auf der Bühne wird die Ähnlichkeit zum Original verblüffend. Als Musiker haben sie die Songs der Beatles bis ins Kleinste erforscht, um vom Akkordgriff bis hin zu jedem Drumfill die Musik so authentisch wie möglich zu spielen. Von Kritikern wird oft ihr stimmliches Können gelobt.

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Schnee, der auf Ceran fällt

Guten Tag, Sträter hier. 

Mein drittes Programm. Titel: Schnee, der auf Ceran fällt.. 

Worum geht’s? Nun ja:

Da sind epische Exkursionen über Moral und Verstand, wie immer einem strengen roten Faden folgend, eine angenehm kompakte Darreichungsform, an den Rändern verbrämt mit einigen wenigen Zwischenbemerkungen, am Ende eine zutiefst beseelende Botschaft und Punkt 22:00 fällt mir das Mikrophon aus der Hand … 

QUATSCH. 

Kommen Sie, ernsthaft jetzt. Wollen Sie das wirklich schon vorher wissen? Doch wohl nicht. Das Leben folgt ohnehin schon strengen Regeln, immer will wer was, man kommt zu nichts, man gönnt sich kaum was – also ist es ja wohl das MINDESTE, mal einen Abend locker zu lassen. Und das machen wir zwei Hübschen. Sie und ich. Sie wissen doch, wie das bei mir läuft: 

Ich bringe ganz ganz frische Geschichten mit, nichts, was Sie vorab schon aus dem TV kennen, und zwischendurch erzähle ich Ihnen, was sonst noch war. Eine Führung durch die ganze Welt der Idiotie, die Einsicht, dass nichts menschlicher ist als das Missgeschick, seltsame Berichte vom Rand der schiefen Ebene, dann ergänze ich den Abend noch mit Schilderungen, die ich mir auf gar keinen Fall verkneifen kann, mache den Sack zum Ende hin mit einer sehr guten Geschichte zu, und wenn Sie dann noch können, hagelts Zugaben. Ein seriöses Konzept.  Und ich gelobe, es sehr lustig zu gestalten. Und mich so gut zu amüsieren wie Sie. 

Klingt erstmal ein bisschen krude.

Wird aber verhältnismäßig überwältigend.

Beste Grüße, Torsten Sträter

https://www.theater-senftenberg.de/inszenierung/torsten-straeter

Der Schweizer Songwriter Faber schreibt pointierte Songs, die gleichzeitig zum klügsten und polarisierendsten gehören, was es in deutscher Sprache zu hören gibt. Zu seinem zweiten Album „I fucking love my life“ (VÖ. 01.11.2019) geht er Anfang des kommenden Jahres auf „Promotour 2020“ durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Der Großteil der Termine ist bereits ausverkauft und daher legt Faber nun nochmal nach und verlängert die Tour mit weiteren Konzerten im nächsten Herbst! Mit seinem Debütalbum „Sei ein Faber im Wind“ hat er 2017 den Startschuss für eine schon jetzt beeindruckende Karriere gelegt: Drei ausverkaufte Tourneen, Headlinerslots auf geschmackssicheren Festivals, Faber wurde von Kritik und Fans gleichermaßen gefeiert.

Gemeinsam mit seiner Band (Posaune & Percussion: Tillmann Ostendarp, Bass & Cello: Janos Mijnssen, Gitarre, Percussion & Saxophon: Max Kämmerling, Piano: Silvan Koch), steht Faber nun schon seit Jahren gemeinsam auf der Bühne.  Und das hört man: Faber live – das groovt, ist trickreich, flüssig und klingt wie aus einem Guss. Blindes musikalisches Verständnis. Faber arbeitet eher wie ein beobachtender Schriftsteller, als dass er den in Deutschland so beliebten authentisch-melancholischen Formatradio-Songwriter mit Dreitagebart gibt. Wegen dieser Rollenspiele ecken seine Songs an. Und gleich die erste Singleauskopplung aus „I fucking love my life“ trägt den Titel „Das Boot ist voll“ und tut genau das. Sie polarisiert. Ein durchaus brutales Statement gegen den Rückfall in düstere Zeiten, eine Kampfansage an die rechtspopulistischen Spinner, die nicht nur in Deutschland aus ihren Löchern kriechen. Faber gesteht kurz nach Veröffentlichung ein, dass er vielleicht zu weit gegangen ist: Nach Veröffentlichung des Songs ist er unzufrieden mit dem drastischen Refrain und lässt ihn gegen die Meinung seines Umfeldes durch eine neue Version ersetzen. In den Medien braut sich ein erster kleiner Sturm der Entrüstung zusammen. Faber bringt die Ambivalenzen der Jetzt-Zeit auf den Punkt. Alles widerspricht sich. Die einen wollen den Planeten retten, fahren aber mit dem SUV zum Biomarkt. Die anderen schauen Pornos, können sich aber nicht mehr verlieben. Allein die Oberfläche gibt noch Halt. Sinn macht längst nichts mehr. Und Faber steht daneben, ein Glas Wein in der Hand und versteht die Welt nicht mehr. Versteht sich selbst nicht mehr. Und tut das, was er am besten kann: Er singt darüber. Bald auch endlich wieder dort, wo er einfach hingehört: Auf der Bühne, in den Clubs, wenn es draußen dunkel ist. Gucci-Anzug von ’96, vollgeschwitzt. Mit Rotweinflecken und Kippe im Mundwinkel. Eine Gitarre in der Hand. Ein paar Zeilen, die so kein anderer schreibt. Mehr braucht er dafür nicht.

Ersatztermin für die ursprünglich am 14.Oktober 2020 geplante Show. Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit oder können an der Vorverkaufsstelle zurückgegeben werden an der sie erworben wurden

Am 30.08.2019 erscheint das neue Album „Auf Messers Schneide“. „Ein Schelm der Böses dabei denkt!?“ betrachtet man den Albumtitel im Hinblick auf die Geschichte der Brüder. Kritisch beäugt von allen Seiten, aber immer geradeaus am Strom der Mitstreiter vorbei holt die Ausnahmeband nun zum zehnten Schlag aus! Und auch dieser wird wieder einen tiefen Krater in der deutschen Musiklandschaft hinterlassen! Während 2019 livetechnisch eher verhalten beginnt, startet ab Oktober dann die zugehörige Tour mit neuen Adrenalinkicks, neuer Bühnenshow und natürlich den neuen Songs im Gepäck! Seid also dabei, wenn die Brüder wieder freidrehen, das Publikum die P.A. übertönt und neue Hymnen mit alten Klassikern die Hallen zum Beben bringen! Als Support dabei sind Haymaker.

Nach Ihrer erfolgreichen Albumtour in 2019 kehren Tito & Tarantula für weitere Zusatztermine nach Europa zurück. „8 ARMS TO HOLD YOU“ fängt die Farben und Gerüche der Wüste ein, ist leidenschaftlich und romantisch. Zusammen mit Titos‘elektrisierenden Vocals ein weiteres Meisterstück in seiner langen und erfolgreichen Karriere als Musiker, Komponist und Schauspieler. Eine Top 10 Single und ein Cover auf dem Billboard Magazin später wurde Larriva Teil der L.A. Musik-und Filmszene der 80er Jahre. Im Probenraum nebenan machten die Red Hot Chili Peppers ihre ersten Gehversuche.

Der Startschuss für Tito & Tarantula war Robert Rodriguez ́ Angebot an „From Dusk Till Dawn“ (1995) mitzuarbeiten. Die legendäre Performance als Vampire Hausband der „Titty Twister“ Bar und der weltweite Erfolg des Films brachte die Band (als Support von Joe Cocker) erstmals nach Europa. Der Europa-Release des Debüt Albums „Tarantism“ mit den Klassiker Songs aus „From Dusk Till Dawn“, „After Dark“, „Angry Cockroaches“, sowie „Strange face of love“ folgte 1997. Diese Songs markieren den Beginn einer neuen Ära amerikanischer Filmmusik und stellen Tito Larrivas außergewöhnliche Fähigkeiten als Sänger und Komponist unter Beweis.

Tito & Tarantula entstand aus den wöchentlichen Sessions, die Larriva unter dem Namen Tito & Friends mit stets herausragenden Musikern der L.A. Szene veranstaltete. Neben den Gitarristen Steven Hufsteter von dem gesagt wird, er hätte Bob Dylans Angebot, in seine Band einzusteigen abgelehnt, war die Band mit Hochkarätern wie dem Gitarristen Peter Atanasoff (Norah Jones, Ricky Lee Jones) und den Drummern Alfredo Ortiz (Beastie Boys/Gogol Bordello) und Rafael Gayol (A-ha, Leonard Cohen) in Europa, Asien Nord und Südamerika auf Tournee.

Götz Widmann ist Liedermacher. Liedermacher, und mehr als das.  Denn statt sich an die Regeln zu halten sprengt er immer wieder die Grenzen seines Genres. Mit seiner alten Band „Joint Venture“ schrieb er nicht nur die schönsten Kifferhymnen überhaupt, sondern war wohl auch der erste, der in Deutschland zur Akustikgitarre rappte.  Nach dem Tod seines Partners Kleinti seit 2000 solo unterwegs hat er eine ganze Kunstform neu erfunden und ihr frisches Leben eingehaucht. Ein Götz-Widmann-Konzert ist auch immer ein Stück deutsche Musikgeschichte. „Das Beste“ ist nun eine Gesamtschau einer fast 30-Jährigen Karriere, in der Götz Widmann uns immer wieder auf chronisch hohem Niveau mit wunderbaren ewig aktuellen Songs beschenkt hat.

Der erhobene Zeigefinger ist nicht sein Ding, er ist mehr ein Mann des Mittelfingers. Seine grössten Stärken sind seine Ehrlichkeit und sein scharfer, beissender Witz, der sich aber doch immer mit einer radikalen, unbestechlichen Menschenliebe paart.

Darüber hinaus hat er uns auch etliche hochemotionale Balladen beschert, die zum Schönsten gehören, was es in deutscher Sprache an Liebesliedern gibt. Wie kaum ein anderer schafft er es, Gefühle auszudrücken ohne auch nur den geringsten Hauch von Kitsch dabei auszustrahlen. Frivol, lebensbejahend, ansteckend positiv, ein Abend mit Götz Widmann ist immer wieder eine Frischzellenkur für die Sinne.